在钢琴作品的演奏中，除了完成乐曲所必要的技术准备外，还需根据作品的特点，正确地划分出乐句、乐段，并通过对作品的细致处理，特别是对乐句的呼吸处理，准确地反映作品的深层意蕴。同时，对钢琴作品乐句进行的呼吸处理，可以使演奏者对作品的其它处理手法更具有可理解性。
呼吸是生命的基础，没有呼吸生物将无法。在音乐作品中有或长或短的乐句，在乐句中间会有停顿与相连的问题。这里的停顿与相连的问题就是我们所说的呼吸。音乐是人类语言的高级状态，它同语言一样有着句子的长短之分，有着抑扬顿挫的语气变化，有表达一个中心思想的结构性和完整性。它跟人类的呼吸一样，没有呼吸就没有乐句，也就没有语调和结构，没有生命。有些学生在钢琴演奏中出现不顾音乐的分句，演奏中缺少音乐的呼吸的问题。一些教师在教学过程中也常常忽略这一非常重要的问题，致使学生对乐句的认识模糊，处理作品缺乏音乐的律动性和歌唱性，从而给人一种上气不接下气的感觉，缺乏层次感，也缺少了作品应该表达的思想感情。
划分乐句是为了理解乐句，理解乐句是为了理解乐曲。一篇文章，只有懂得了每句话的意思，才能理解全篇的意思。同样，一首乐曲，演奏者只有懂得了每个乐句的含义，才能全曲的含义，分清了乐句，就能体会到各句之间的关系。下面简单地分析一下怎样划分乐句。
对作品要反复认真地体味、感受，从心理上接纳每一个音和每一个句子，了解每一个音和每一个句子所要表达的意思。培养良好的音乐感受力是正确划分乐句最可靠的途径。这一点在歌曲中是比较容易理解的。特别是那种结构方整性的歌曲，比如四句歌词对应着的四个乐句，句与句之间都有明显的呼吸。而钢琴乐曲中有的乐句也与此类似，分句比较清楚，容易理解。有的则不那么一目了然，这就是“器乐化”的乐句。但无论如何，所有旋律实际都存在着乐句的构成。我们必须细心研究分析，了解作品创作的时代背景、风格特征，作曲家的创作特征、创作原因，并反复地，这是正确划分乐句的第一步。
与文章的句子不同，一个乐句有多种的划分方案是完全可能的，而且这几种方案都有其道理，都可以成立。但它们之中只有一种是最能令听众满意的方案。因此演奏者要细心比较多种划分方案，用心体会它们的细微差异，以选择出在听觉和感觉上最满意的一种。
要特别注意远距离的音及顿音、跳音、被休止符隔开的音的划分。这些音都不相连，但不见得不是一个乐句，演奏者要注意它们之间的运动趋势，以及在表情达意上的连贯性。而有些乐句的划分并不是在明显的停顿处，而是在连续的八分音符和十六分音符中间。因此重视作品中的每个音对于处理好作品常重要的，必须细心体会。
要理解乐句。首先要理解它们的气质、性格、风格，以及乐音运动的趋势、逻辑关系，把理解的内容与音色的选择、连奏与断奏的奏法、力度及其对比变化指法等各种演奏记号与表情术语结合起来。理解乐曲上的所有标记是最基本的一点。任何一位作曲家对于其作品所做的处理都有其内在的道理，决不允许演奏者轻视马虎。只有尊重作曲家的创作意图，尊重各种演奏记号，才能对作品进行较好的演绎。例如王建中创作的钢琴曲《山丹丹开花红艳艳》的引子，这段音乐描写了春天花鸟宜人的美丽景象。在演奏开始的倚音时，演奏者要用缓慢的吸气带动身体提起手臂，再用缓慢的呼气放下手臂弹奏这个乐句，手臂动作随着呼吸的频率安静而舒缓，这样演奏的音色才柔和而集中。要演奏好这个句子，演奏者就要控制好气息，呼吸不能太猛。这段乐句之后的琶音要立即换气，气口、气感要快，演奏要与开始的倚音形成前后呼应，犹如远方的惊雷滚滚而来。接下来要长吸气，一口气弹出长连音，把气呼尽，后面的乐句是一组长连音，呼吸就自然协调了。所以这段音乐要呼吸两口气，并且这两口气要相互呼应，使音乐逐渐地展开，准确地表现出春天生机的景象。再如，在此曲快板结束与慢板交接之处，在慢板的前6小节气息必须沉住，演奏者要立即深深地吸足一口气，先胸口提着屏住气，然后慢慢地呼出来弹奏这段优美的旋律。接下来引入慢板部分，要用长气息，流畅、舒展、豪情满怀地弹奏左手一连串的16分音符，前面6小节憋足了的气，在后面慢板中慢慢地，将音乐逐渐并缓慢地推向，这就是旋律的起伏带给呼吸的不断变化。音乐作品反映了作曲者和情感，这些和情感往往要通过演奏者的呼吸才能准确体现。旋律有了呼吸，才会有意味，才能去打动听众，才能让欣赏者体会到音乐中触及灵魂的境界。钢琴演奏在速度、力度，以及其它演奏法上的处理与呼吸的关系也很密切。作品的强弱所表达的都是作曲者内心涌动的情感变化，这些情感变化表达的都是作曲者无法用语言所能表述的内心诉说，所以每一个音符的演奏都会触及作曲者敏锐的内心世界。钢琴虽然是一件没有生命的物体，但是如果演奏者能用自己的情感、智慧表现语言所不能表达的东西，用自己的心跳、呼吸表达内心深处的美感，用手指去指挥着“它”按照自己的意图去表达，就会让钢琴拥有生命，就能做到人琴合一，琴心共鸣，做到键盘成为心灵与手指的延伸，“人”“琴”“音乐”融为一体，这样就能达到表现音乐内涵的目的。
应注意呼吸的时间问题。我们知道，音乐本来就是一门时间的艺术，在时间中展开又在时间中结束。笔者认为，演奏者对于呼吸时间的把握，应该考虑到音乐本身的节奏特征和律动特点。演奏者要善于体会这种感觉，只有这样才能掌握好呼吸的时间。在演奏一句长达几十个小节的大起大落的旋律时就必须以舒缓而绵长的气息为根本。同样，在演奏情绪高涨激昂或者速度较快的一段乐句时，呼吸也应该相应加快，到音之前的呼吸可以较深一些。但无论怎样，演奏者的呼吸与乐句的呼吸在根本上应该是一致的，而且与乐段乃至整首乐曲的呼吸也应该是和谐统一的。此外，对于学生演奏中呼吸的掌握，教师应先让学生把乐曲演奏熟练完整，通过反复哼唱乐曲的旋律来深入体会乐曲的断句，然后将它运用到实际演奏中去，即将自身的呼吸与音乐的呼吸融为一体，以使学生达到“人琴合一”。只有这样，才能达到表现音乐内涵的目的，学生也才能将音乐作品演绎得淋漓尽致。
音乐的呼吸感是钢琴演奏中非常重要的表现手段，它为整个演奏贯穿了“气”和“韵”，它可以使快速的乐句淋漓酣畅，使慢速的乐句缠绵深沉。而不同演奏者呼吸的协调感，在乐曲表现中有着不同的音乐表现。呼吸得是否自然，演奏得是否贴切，可表现出演奏员对乐曲的理解，以及对乐曲气口切入的准确与否。
总之，教师必须指导学生学会运用正确的呼吸方法，让学生正确带动自己的身体，支配自己的手臂，给音乐插上腾飞的翅膀，让音乐拥有想象的空间，将音乐表现得更加完美。
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